Культура + Творческие люди

В Международный день собак — по следу хвостатых звезд с полотен русских художников! Пока одни питомцы получают лишнюю порцию лакомств, мы предлагаем отпраздновать культурно: заглянем в мир русской живописи, где псы давно освоили профессию «моделей». От царственной левретки Екатерины Великой до единственного радующегося двойке пса Решетникова – эти четвероногие знаменитости хранят истории преданности, статуса, курьезов и безусловной любви. Давайте познакомимся с пятью самыми известными «хвостатыми моделями» русского искусства!

1. Императрица и ее карманный аристократ: «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке» Владимира Боровиковского

Это была революция в жанре! Боровиковский осмелился показать «владычицу полумира» не в горностаях и короне, а в домашнем платье, на прогулке в парке с одной из любимых левреток (предположительно Земирой или Герцогиней). Малюсенькая собачка – ключ к камерности портрета, намек на частную жизнь за стенами дворца. Екатерина II была страстной собачницей: в письмах – сплошь рассказы о питомцах, в спальне – розовая атласная «колыбель» для них, в парке – целое собачье кладбище. Особенно обожала она сэра Тома Андерсона, прожившего 16 лет и оставившего солидное потомство. За «маленькими живчиками» императрицы присматривал специальный паж – вот это сервис!

2. Аристократка и ее пушистый паспорт: «Всадница» Карла Брюллова

Перед нами триумф Брюллова: юная Джованнина Пачини на вздыбленном коне и ее сестренка Амацилия на террасе. Но главные «говорящие детали» тут, пожалуй, две: изящная левретка у ног младшей и суетящийся спаниель под копытами коня. Левретка – сама элегантность, аристократка собачьего мира со времен фараонов. И ее ошейник – не просто украшение, а самый настоящий лайфхак для искусствоведов: надпись «Samoylo» четко указывает на заказчицу, графиню Юлию Самойлову. Так что породистый пес здесь – не просто компаньон, а эдакий пушистый геральдический знак, подчеркивающий: «Смотрите, какая у хозяйки родословная!». И да, Брюллов, создавая этот динамичный портрет, видимо, решил, что законы равновесия – для слабаков: всадница сидит невозмутимо, будто на диване.

3. Юный аристократ и его Клоун с характером: «Портрет князя Феликса Юсупова» Валентина Серова

Шестнадцатилетний Феликс Юсупов (да-да, будущий участник того самого дела с Распутиным) изображен Серовым в вестибюле своего дворца в Архангельском. Рядом – его любимый французский бульдог Клоун. Серова заворожил контраст: холодноватая, почти кукольная красота юноши и выразительная, «думающая» морда бульдога. Ирония в том, что на портрете две собаки: живой Клоун и гипсовая скульптура позади – настоящая собачья династия в камне и красках! Клоун (первоначально Наполеон – слишком пафосно для князя!) был настоящей хвостатой личностью. Он прожил с Феликсом 18 лет, знал всех – от царей до лакеев, и даже выступал в цирке: в жокейском костюмчике, с трубкой, верхом на пони! А позже, в Оксфорде, у Юсупова был другой бульдог, Панч, который терпеть не мог клетку... в прямом смысле: он рвал клетчатые брюки незадачливых джентльменов!

4. Бульдог, кошка и великий бас: «Портрет Ф.И. Шаляпина» Бориса Кустодиева

Огромный, мощный Шаляпин в роскошной шубе – и его маленький, но невероятно важный французский бульдог Ройка. Курносый философ с грустными глазами расположился на переднем плане не просто так. Для Кустодиева это живой контрапункт русской широте натуры певца. Шаляпин обожал своих бульдогов (держал целую свору!) и таскал их с собой повсюду. А процесс создания портрета? Настоящий перформанс! Чтобы заставить Ройку смотреть в нужную сторону, на шкаф сажали кошку, а сам Шаляпин по часу в день уговаривал питомца позировать. Стоило того: Ройка был артистом не хуже хозяина – по команде «Городовой!» падал «замертво». Интересно, что Репин тоже писал Шаляпина с бульдогом, но потом, видимо, передумал и записал беднягу.

5. Радостный хвостик: «Опять двойка» Федора Решетникова

Трогательно-грустная сцена возвращения нерадивого ученика домой. Мать разочарована, сестра осуждает, братишка ехидничает. И только один член семьи демонстрирует безоговорочную лояльность: верный пес! Он – живой антипод человеческим эмоциям, воплощение той самой преданности «несмотря ни на что». Его радостный прыжок – единственный лучик света в этой атмосфере всеобщего школьного провала. Говорят, что пса написал не сам Решетников, а его коллега Аркадий Пластов. И не мудрено: художник, чтобы добиться от натурщика нужной позы, держал стратегический запас бутербродов. А вдохновила мастера на сюжет его собственная дочь Люба, пытавшаяся скрыться на кухне после очередной двойки. Присмотритесь – на стене висит репродукция другой работы Решетникова, «Прибыл на каникулы», как напоминание о школьных «успехах».

Хвостатое наследие

Эти картины – лишь верхушка айсберга. Собаки в русском искусстве прошли путь от изысканного атрибута знати (как у Брюллова или Боровиковского) до полноправного члена семьи, чья преданность не зависит от оценок (как у Решетникова). Они были композиционными находками (Кустодиев), живыми антиподами (Серов), безмолвными свидетелями частной жизни императоров и символом чистой, необусловленной любви.

И если вам вдруг захочется увидеть всю эту «пушистую эволюцию» воочию – спешите в Государственный Русский музей! Там до 10 ноября 2025 года гостит грандиозная выставка «Жизнь замечательных собак». Более 400 экспонатов с XVIII по XXI век – настоящий парад четвероногих знаменитостей русского искусства. Все они расскажут вам свои истории без единого лая, но с немыслимым количеством тепла и преданности, запечатленной на века. Ведь иногда самый красноречивый свидетель эпохи – это просто собака, смотрящая на нас с холста.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Про абстракцию, матрешки и взрывной микс эго!

Знаете, что выведет из себя даже самого сдержанного искусствоведа? Вопрос: «А кто это придумал?»🌟

Представьте: тихий вернисаж, бокал чего-нибудь… И тут кто-то роняет: «Кандинский — отец абстракции». БАМ! Начинается битва титанов.

🔥Несколько горячих споров🔥

1. Абстракция: Кандинский vs Малевич vs Пит Мондриан
— Кто первый крикнул «Искусство не должно быть фигуративным!»?
— Спойлер: ответ зависит от того, с каким учебником под подушкой вырос исследователь.

2. Матрешка: остросюжетный детектив
— Наиболее популярное мнение: художник Сергей Малютин + токарь Василий Звездочкин (1, 2). — Но! Эскизов Малютина нет, Звездочкин настаивал: «Это я один придумал!» (3, 4).

Личная драма

Как-то раз я написала пост про Талашкино и невинно назвала Малютина «изобретателем» матрешки (в кавычках!). Что вышло? В комментариях — адский пламень! 🔥 Мне сыпали ссылками, что Малютин вообще не имеет отношения к этой игрушке

Корень зла

Авторство в декоративно-прикладном искусстве (особенно конца 19 века) — это клубок из:

• Идеи (автор концепции),

• Воплощения (мастер),

• Денег (меценат, который скромно стоит в тени и все это оплачивает).

Иногда роли этого клубка смешиваются в одном человеке, но часто дело обстоит сложнее. Традиционно считается, что автор концепции и есть изобретатель, а тот, кто ее воплотил, остается в тени. Конечно, это несправедливо. В последнее время музеи все чаще обращают внимание этим фигурам: «Уделим внимание токарям и гончарам!». Но… Кто же прав?

Мой вердикт: Искусство — не патентное бюро. Это диалог эпох, где даже «воровство» рождает шедевры (споры о том, имеет ли русская матрешка отношение к японским куклам, не утихают до сих пор) ✨ Наука должна сомневаться, а не жечь тех, кто думает иначе. Еще лучше — учитывать весь спектр распространенных мнений. Как говорил Сократ: «Я знаю, что ничего не знаю» — вот и мы, склонившись над архивами.

Ставьте лайк — если тоже считаете, что искусство должно объединять, а не делить.
Пишите 💣 в комментариях — если готовы ввязаться в спор!

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Знаете, что самое раздражающее в гениях? Часто они оказываются ужасными людьми. И фильм «Кандинский и его муза» (2024) — идеальный пример. Я ждала погружения в мир абстракций, а получила... любовные «разборки» на фоне начала XX века. Давайте разберемся, почему это кино — не про искусство, а про токсичные отношения.

Спойлер: творчество осталось за кадром

Готовясь к лекции, я наткнулась на фильм о Кандинском — 7/10 на Кинопоиске, немецкий режиссер. «Наверняка спросят!» — подумала я. Но вместо анализа синестезии или «Композиции VII» режиссер показал историю, которую можно назвать «Кандинский: любовник-нарцисс».

Сюжет крутится вокруг романа художника с Габриэлой Мюнтер — талантливой экспрессионисткой, которая в начале XX века была звездой немецкой арт-сцены. Да-да, она затмевала самого Кандинского! Парадокс: Мюнтер показана как тень гения и жертва, хотя в реальности их отношения напоминали дуэль. Кандинский, уже женатый, закрутил роман с молодой художницей. Но вместо совместного творчества — манипуляции, ревность и вечная игра в «Я — главный». Фильм пытается казаться «феминистским», но сводит Мюнтер к роли жертвы

Фильм рисует Кандинского эгоцентриком, который:
✔️ Использует женщин как эмоциональный «подмалевок» для своих амбиций,
✔️ Не терпит конкуренции — даже от любовницы,
✔️ Превращает жизнь в перформанс, где он — единственный зритель.

Почему это проблема?

Если в названии есть имя художника, зритель ждет историю о творчестве. Но вместо этого — полтора часа выяснения, кто кого бросил. Да, в паре сцен Мюнтер подсказывает Кандинскому идеи (спойлер: это скорее фантазия сценаристов). Но где диалоги о цвете? Где споры о форме? Где, в конце концов, знаменитый переход Кандинского к абстракции?

Вывод?

Если вы любите драмы с историческим антуражем — посмотрите. А если хотите понять, как рождался абстракционизм — лучше перечитайте его манифесты.

А вы смотрели фильм? Считаете, что личная жизнь художника важнее его работ? Жду ваши мнения в комментариях!

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

Советский рок-музыкант живёт в памяти целых поколений. Цоя слушали мои родители. В юности мы пели песни группы «Кино» под гитару, а сейчас, в центре моего родного Симферополя и на столичном Арбате в Москве, я слышу «Группу крови», «Перемен», «Проснись, Это любовь» в исполнении тех, кому нет и двадцати лет.

Земной путь Виктора Цоя оборвался, когда ему было всего 28. Спустя столько лет мы, конечно, где-то идеализировали его образ — это неизбежно. Цой — явление отечественной культуры. Он поразительно объединяет самых разных людей, с разными взглядами на жизнь. И в этом смысле он — вне времени. Что уж там — Цой жив!

Иван Мезюхо

От этой истории сжимается сердце. Москва, 1860-е. Василий Перов бродит по улицам в поисках «лица» для своей новой картины. Его взгляд цепляет худенького мальчика с прозрачно-голубыми глазами — Васю. Но чтобы написать его, художнику придется столкнуться не с бедностью, а с материнским страхом, который окажется пророческим…

«Не смейте рисовать моего сына!»

Изможденная Марья, похоронившая мужа, верит в страшное суеверие: портрет заберет душу. «Вася — последняя радость, — шепчет она, — а вы хотите его на холсте запечатать?». Перов старается убедить женщину: «Царских детей же рисуют — и ничего!». И сердце матери тает…

Секреты «Тройки»

Пока Вася позирует как центральный герой «Тройки», Марья рассказывает Перову истории, от которых у того холодеют пальцы. Голод. Смерть. Но когда женщина говорит о Васюте, лицо ее светлеет.

Четыре года спустя Перов, чья «Тройка» уже заняла свое место в Третьяковке, встречает Марью — седую, с потухшим взглядом. «Вася-то… помер», — глухо говорит она. Художник ведет ее в галерею.

«Он жив!»

Марья падает на колени перед полотном: «Родненький! Даже зубик, что выбил, вижу…». Она часами шепчет молитвы, а Перов, сопереживая чужому горю, рисует для нее отдельный портрет сына.

Картина «Тройка» стала не только шедевром русской живописи, но и памятником маленькому Васе, чья короткая жизнь оставила след в сердце матери и в душе художника. Марья, потерявшая сына, нашла утешение в его изображении. А Перов, создавая портрет, подарил ей возможность вновь увидеть родное лицо (и видимо, так был впечатлен случившимся, что написал об этом рассказ «Тетушка Марья»). Но что это было — проклятие судьбы или дар искусства? Возможно, и то, и другое.

Эта история заставляет задуматься: может ли искусство сохранить то, что уходит? Или оно лишь напоминает нам о том, что ничто не вечно?

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.

А вы знали, что в молодости Ван Гог работал арт-дилером? Оказывается, Винсент знал о рынке искусства не понаслышке. Задолго до «Подсолнухов» и психиатрической больницы он освоил профессию торговца.

Семейный бизнес: братья в мире арт-рынка

Искусство текло в их жилах. Брат Винсента, Тео, был успешным арт-дилером и настоящим двигателем художественного мира Парижа. Именно он вдохновил Винсента погрузиться в мир искусства не только как творца, но и как продавца. В 18 лет Винсент начал свою карьеру в известной фирме Goupil & Cie, где изучал тонкости арт-рынка. Вообразите: будущий гений, который позже будет писать «Звездную ночь», разбирает счета и договаривается о сделках. Его задача? Убеждать богатых клиентов покупать гравюры и картины.

Этот опыт стал его школой. Винсент узнал, как «раскрутить» художника, и даже предсказал успех Жана-Франсуа Милле. Но душа рвалась к мольберту — через 7 лет он уволился, чтобы стать тем, кого мы знаем.

Бесценные для истории искусства письма

Переписка Винсента и Тео — это настоящий клад для историков искусства. В своих письмах Винсент не только делился творческими идеями, но и обсуждал коммерческие вопросы. «Дорогой Тео, как думаешь, сколько можно выручить за эту картину?» — спрашивал он брата. Эти письма показывают, что Винсент был не просто мечтателем, но и прагматиком, который понимал, как работает арт-рынок. Однако по какой-то причине он будто бы не был заинтересован в собственном продвижении (или ему не хватало ресурса?).

Нам известно о 14 картинах, которые сам Винсент продал при жизни. Зато Тео, используя связи в Goupil, после смерти брата устроил его персональную выставку. Именно там «Звездная ночь» впервые заставила публику замереть.

Почему Ван Гог-дилер важен сегодня

Опыт Ван Гога в качестве арт-дилера показывает, насколько тесно переплетены искусство и коммерция. Каждая сделка, каждый разговор с коллекционерами помогали ему лучше понимать, что делает искусство великим. И кто знает, может, именно этот опыт помог ему стать тем самым Ван Гогом, которого мы знаем сегодня.

Винсент Ван Гог запомнился миру как художник-визионер, но его история как арт-дилера добавляет новые штрихи к его портрету.

А что, если бы Ван Гог не ушел из Goupil? Возможно, мы бы знали его как успешного дилера, а не художника. Но тогда мир потерял бы «Ирисы» и «Ночную террасу». К счастью, Винсент выбрал кисть — но его арт-дилерское прошлое навсегда осталось в мазках: яростных, коммерчески «неудачных», но гениальных.

Вам слово: как считаете — художнику важно разбираться в рынке искусства? Или это убивает творчество? 💬🎨

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.